okazi gallery
Archive for the ‘Ausstellung’ Category
BEN FREY – PURE LUCK
Freitag, April 6th, 2012
April 7th – May 5th 2012
Vernissage – April 6th – 6PM
In Fall 2011, Frey stumbled upon a book about criminal tattoos done in Russian prisons recently published by FUEL. The tattoos were from different periods, some of prisoners of war during WWII, but many were of murderers, thieves, and even just people suspected of being a threat to Russia’s mafia and political elite. Frey drove to create a series using stories from the tattoo illustrations that could also be depicted in The Rolling Stone’s song, Sympathy For The Devil(Sympathy was inspired by Mikhail Bulgakov’s The Master and Margarita; a novel written about the devil’s visit to the Soviet Union). Some images use themes of repression(as they were designed for prisoners) but there were many tattoos done with irony; invoking a sentiment of prosperity. Frey drew mostly from this and will present these drawings in his first exhibition in Berlin, PURE LUCK at Okazi Gallery in April 2012.
Ben Frey is an illustrator and fine artist located in-between the mountains and ocean in Vancouver, Canada. He graduated from Capilano University’s Design and Illustration program in 2007, and has spent the past few years freelancing in Vancouver and in Berlin. Ben is notably an art contributor to Lifetime, Sitka Surfboards, Westbeach, Momentum Wheel Co as well as a children’s book illustrator for Alanna Books UK, Annick Press, and Simply Read Books. His biggest source of inspiration is the west coast, old illustrated biology textbooks of plants and animals, and India.
supported by lifetime collective
www.cargocollective.com/benfrey78
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KYLE HUGHES-ODGERS – If we can´t control the boat, let´s control the ocean.
Mittwoch, Februar 1st, 2012
February 10th – February 28th 2012
Vernissage – February 10th – 6PM with attendence of the artist
In his first solo exhibition in Berlin, Australian artist Kyle Hughes-Odgers presents new paintings on wood, photographs and a site-specific installation.
These new works explore the futility of an uncontrollable existence, shown in moments of clarity and small gestures of resistance. Kyle Hughes-Odgers continues to enhance and strengthen his unique style through progressive exploration of different spaces, environments and surfaces.
Kyle Hughes-Odgers has exhibited his paintings and created large-scale murals extensively throughout Australia and internationally in Los Angeles, New York City, Singapore and Europe. He has had work previously featured in publications such as Street Art New York, Kingbrown and Empty magazine.
He has artwork and commissions in private and public collections including Murdoch University, Royal Perth Hospital, DMG Architects and the City of Perth.
Preview Video Kyle Hughes-Odgers
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Lars P. Krause – Douze Ans
Sonntag, November 20th, 2011
02.Dezember – 31. Dezember 2011
Vernissage – 02.Dez. 2011 – 18 Uhr mit Anwesenheit des Künstlers
DEU: Musikposter sind scheinbar kurzlebig, gemacht für nur ein Konzert. Trotz dieser Flüchtigkeit hat sich Lars P. Krause durch seine Gigposter im schnelllebigen Musikbusiness einen Namen gemacht. Die Plakate die er gestaltet sind nicht billig und auch nicht massentauglich.
In seiner kleinen Werkstatt mitten im belebten Dresdener Stadtteil Neustadt kreiert er aufwendige, mehrfarbige Siebdrucke. Wer sich darauf einlässt, erkennt subtile Geschichten, Hintergründe der Bands und die ein oder andere gesellschaftskritische bzw. politische Anspielung.
Spätestens mit der Aufnahme in die sogenannte Bibel des Rock´n`Roll „Art of Modern Rock“ 2005 gelang ihm die Aufnahme in die Riege der weltweit vernetzten Posterszene und damit der internationale Durchbruch.
Neben vielen Szenebands bestellen auch Bands wie die Beatsteaks und Die Ärzte mittlerweile regelmäßige Poster, die der Künstler in kleinen,
exklusiven Auflagen druckt. Zu seinem 12-jährigen Jubiläum präsentiert die okazigallery Neues und Bekanntes von Lars P. Krause.
ENG: A gig poster is a seemingly short-lived piece of paper, made only for one concert. Despite this momentariness, subtle stories, band backgrounds and some odd sociocritical or political allusion are apparent for those who enter with open eyes.
Dresden-based Lars P. Krause established himself as one of the most known German silkscreen poster artists. His gleaming multiple-color prints are far from being mass products, manufactured at a small studio in the city’s most bustling district Neustadt. Besides many subcultural artists, well-known bands such as Beatsteaks or Die Ärzte frequently ask for Krause’s unique works which only come in small editions. Celebrating his 12th anniversary, okazigallery presents a Best Of Lars P. Krause, showing even some new works.
The silkscreen poster cult has developed in America in the early 1990th, inspired by psychedelic music, and unites an ambitious crowd of US printers. However, in Germany, only a few artists indulge in this complex and rather expensive procedure. Thus, the piece itself becomes a statement against a mere capitalistic orientation. It’s art and if it also sells, it’s great!
Text bearbeitet und übersetzt: Juliane Hanka
Gig Poster – Eine kurze Einführung
Ausstellungen und Postershows
• 1990: Hotair, Ausstellung fotorealistischer Kunst in der Hoyerswerdaer Lausitzhalle
• 1998: verschiedene Installationen beim Kunsthausprojekt in Hoyerswerda
• 2002-2003: verschiedene Postershows Dresden
• 2005: „Exposition d´Affiches“ Ausstellung in der Kulturfabrik Hoyerswerda
• 2006: Ausstellung in der Berliner Galerie Sojuz
• 2006: Art Institute Atlanta, Gruppenausstellung
• 2005-08: Postershows Dresden: Groovestation, Scheune, Oosteinde, Zentralohrgan, Drop Out Rec
• 05/2006: Postershow „Dirty Dozen“ Komet, Galerie Feinkunst Krüger, Hamburg
• 07/2006: Postershow „Eyepop“, Sonic Ballroom, Köln und Club Bla, Bonn
• 09/2007: Postershow „Flatstock“ in Hamburg, Spielbudenplatz
• 11/2007: Ausstellung bei WDS-Pertermann in Dresden
• 03/2008: Ausstellung „Exposition d´Affiches“ im Medienkulturhaus Pentacon Dresden
• 07/2008: Postershow „Flatstock“ in Chicago
• 09/2008: Postershow „Flatstock“ in Hamburg, Spielbudenplatz
• 09/2008: Postershow „Screens and Spokes“ (USA-Tour) Gruppenausstellung
• 11/2008: „Year Poster Show“ Arizona State University Gruppenausstellung
• 03/2009: „PosterArt“ Kentucky Museum of Art, Gruppenausstellung
• 09/2009: Ausstellung „20 Favourite Pieces“ Galerie Night Walk, Berlin
• 09/2009: Postershow „Flatstock“ in Hamburg, Spielbudenplatz
• 09/2009: Ausstellung, Groupe show „Squeegeedragger“ Galerie Auf Halb Acht, Hamburg
• 09/10/2009: Postershow „Colored Gigs“ Galerie Treibhaus, Dresden
• 03/2010: Gruppenausstellung „Great Moments in Sport History“ Galerie 1988, Los Angeles
• 04/2010: Teilnahme Kunstprojekt „AMOS-Showtime“ mit Shows in Europa, Asien und Amerika
• 09/2010: Postershow „Flatstock“ in Hamburg, Spielbudenplatz
• 09/10/2010: Postershow „Colored Gigs“ Galerie Treibhaus, Dresden
• 12/2010: Postershow „Silkscreened“ Oosteinde, Dresden
• 03/2011: Postershow „Flatstock“ in Austin
• 09/2011: GigPosterShow „Colored Gigs III“, “Scheune” Dresden
• 09/2011: Postershow „Flatstock“ auf dem Reeperbahn Festival
www.douze.de
www.gigposters.com
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Portage – Groupshow
Dienstag, Oktober 11th, 2011
PORTAGE 01.July – 05.August 2011
MILES COLLYER | LYNZEE CORBETT | DERRICK HODGSON | MATTHEW KING JONATHAN NICOLAOU | EMIKO SEKIGUCHI | ANDREW WAITE
ENG: In this group show, seven Canadian artists reflect on portage as an indelible and ongoing element of Canadian identity, landscape and movement. ‘Portage’ comes from the French porter (‘to carry’). As early French explorers and coureurs de bois ventured deeper into areas of New France using the many waterways, they adopted the aboriginal practices of carrying their boats around obstacles.
These artists engage portage as a historical period, a national memory, a way of knowing, a site of resistance, and a contemporary imaginaire.
DEU: In dieser Gruppenausstellung beschäftigen sich 7 kanadische Künstler mit der Portage als unabkömmliches und immernoch aktuelles Element kanadischer Identität, Landschaft und Bewegung. Das Wort „Portage“ kommt vom französischen porter (tragen). Als die ersten französischen Entdecker und “coureurs de bois” auf den vielen Wasserwegen tiefer in die Gegenden Neu Frankreichs vordrangen, adaptierten sie die Praktiken der Ureinwohner, die ihre Boote um Hindernisse herumtrugen.
Die Künstler untersuchen die Portage als eine historische Periode, ein nationales Andenken, einen Weg des Wissens, einen Ort des Wiederstandes und eine zeitgenössische Vorstellung.
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Francesca Morabito – Oggetto di uno sguardo
Freitag, September 30th, 2011
30.September – 29.Oktober 2011
DEU: In der Kunst zeigt sich die Natur wie an ihrem ersten Tag, im Moment des Erwachens. Ihr ursprünglicher Symbolismus begleitet – unauffällig und vage – die Geburt der menschlichen Existenz, der Moment, in dem sie sich verknüpft. Der Mensch ist Objekt seines eigenen Blicks, eines Blicks, der sich in illusorischen, affektiven und imaginären Formen ausdrückt.
ENG: Through art nature shows itself as on its first day, in the moment of its awakening. Its original symbolism accompanies – subtle and vague – the birth of human existence, the moment in which it connects. The human being is the object of its own perspective, a perspective expressed in illusionary, affective and imaginary ways.
ITAL: Nell’arte la natura si presenta come “è al suo primo giorno”, nel suo atto di sorgere, la sua alba. Il suo simbolismo primordiale accompagna silenziosamente e ambiguamente il sorgere dell’esistenza umana, la sua nascita, il momento in cui un’esistenza si riannoda. L’umano è oggetto del suo sguardo, sguardo che si esprime nelle sue forme illusorie, affettive, immaginarie
opening friday sept 30th, 6pm okazi gallery
www.morabitofrancesca.blog
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Mehdi Bahmed – Onirique
Freitag, September 2nd, 2011
ONIRIQUE 02.September – 25.September 2011
DEU: Mehdi Bahmeds Arbeit ist ein fotografisches Experiment. Eine Auseinandersetzung mit der paranormalen Wirklichkeit und dem geheimnisvollen Aspekt der Träume. Er hat über hundert seiner Träume auf ihre Ästhetik, Struktur und Narration untersucht. Ihre Inspirationsquelle nutzt er, um sie bildnerisch mit seiner realen Erlebniswelt zu verbinden. Seine Fotografien zeigen eine Gegenüberstellung aus bewusster Inszenierung und spontaner Momentaufnahme.
–
ENG: Mehdi Bahmed´s work is an photographic experiment. An analysis of paranormal reality and the mystical aspect of dreams. He wrote down more then one hundred of his dreams and focussed on its aesthetics, structure and narration. In his works he is using this powerful source of inspiration to combine it with reality. His images show a confrontation of deliberate staging and the spontaneous capture of a moment.
Tags: Ausstellung
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Hanna Hur – This Is Going To Hurt
Samstag, Juni 4th, 2011
June 4th – June 24th 2011
Vernissage – June 4th – 6PM with attendence of the artist
DEU: THIS IS GOING TO HURT präsentiert eine neue Serie von Arbeiten der kanadischen Künstlerin Hanna Hur. Es wird eine Geschichte über Verlust und Neuanfang erzählt. Ihre Zeichnungen setzen sich mit Trauer und der Angst und Verwunderung vor dem bevorstehenden Neuen und Unbekannten auseinander. Ihre Verbindung zum Verlust rührt von der Distanzierung von ihrem Glauben und der schrittweisen Suche nach einer persönlichen erzählerischen Betrachtung ihrer Beziehung zu ihrem eineiigen Zwilling.
ENG: THIS IS GOING TO HURT presents all new works by canadian artist Hanna Hur. The exhibition tells a story of loss and new beginnings. Hur’s drawings and paintings convey mourning and both fear and wonder of the approaching new unknown. Her connection with loss derives from her recent moves away from her two former cruxes of identity – religious beliefs, and her gradual search for personal narrative outside of the relationship with her identical twin. She is interested in identity deficit and construction.
Tags: Ausstellung
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Andrew Pommier – At The Time Of Fear
Samstag, April 16th, 2011
At The Time Of Fear – Samstag, 16. April 2011
DEU»At the Time of Fear« ist eine Reihe von neuen Arbeiten in Öl des kanadischen Künstlers Andrew Pommier. Er spielt mit der minimalistischen Betrachtung von Figur, Form, Abstraktion und Farbe innerhalb des Genres Portrait. In seiner Auseinandersetzung mit dem Thema wird die Portraitmalerei auf ihre formalsten Elemente reduziert, um so eine Basis für die Auseinandersetzung mit dem Thema zu bieten.
Masken erlauben es uns unsere Individualität und Menschlichkeit zu verbergen und unseren Charakter neu zu erfinden. In dieser Anonymität können wir uns hinter einem reduzierten Anblick unserer selbst verstecken. Sie befreit uns von allen Vorurteilen, wie wir sind oder zu sein haben. Eine ihre dominierenden Eigenschaften ist dabei das Erschaffen von Angst, die dem Träger gleichzeitig zu absoluter Freiheit verhilft.
Andrews Grafiken findet man auf Brettern von Brands wie Toy Machine, Element und Girl Skateboards, Rollen von Momentum Wheel Co., Signature Produkten von Adidas Schuhen über Zune MP3 Player bis hin zu Kokanee Bierdosen und er arbeitet seit langem eng mit RVCA Clothing zusammen, deren Musikprogramm Bands wie Modest Mouse, Animal Collective und Broken Social Scene unterstützt.
ENG» At the Time of Fear « introduces new works in oil of canadian artist Andrew Pommier. These paintings explore a minimalist perspective of shape, form, abstraction, and colour, while keeping within a context of portraiture. The paintings in this show take the established conventions of portraiture and strip them down to their most formal elements in order to provide a foundation for the works minimalist explorations.
Masks allow us to hide our individuality, and humanity, and allows a means for reinvention of character. The anonymity allows one to hide in plain view and the freedom to strip away any preconception of who one is, or who one should be, its dominating feature is the creation of fear, but it results in absolute freedom for the wearer.
Andrew’s graphics have graced the bottoms of such top brands as Toy Machine and Girl Skateboards. He continues to be the key producer of graphics for skater owned Momentum Wheel Co., and has lent his name to many signature products from adidas shoes to the Zune MP3 player to Kokanee beer cans. He’s also had a long term association with Southern California based RVCA Clothing who’s music program supports bands like Modest Mouse, Animal Collective and Broken Social Scene.
Tags: Ausstellung
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“Wir machen das nur wegen dem Geld” poetry clips über das Geld
Samstag, März 12th, 2011
LESUNG am Samstag, den 12. März 2011 18 Uhr
David Csaszár
Daniela Scharrer
und weitere Autoren der Gruppe textetisch lesen poetry clips über das
Geld
Olga Kruckova
Elena Kimstatsch
und andere vom Verein das Kunstwesen e.V.
lesen Kurzgeschichten aus ihrem Lebensabschnitt ohne Kapital
Tags: Others Lesung
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Reinelt/ Ziems – Wir machen das nur wegen dem Geld
Samstag, Februar 19th, 2011
Installation, Malerei, Fotografie von ENNO REINELT / HOLGER ZIEMS
OPENING / VERNISSAGE – 19.02.2011 – 18 Uhr
Eine griechische Überlieferung besagt, das Dionysos, Gott des Weines, für die Freigabe seines gefangenen Lehrers Silenos, Midas einen Wunsch gewährte. Midas wünschte sich das alles was er anfasst zu Gold werde. Da nun auch seine Nahrung zu Gold erstarrte war er dem Hungertod nahe. Dieser Tragik entkam er durch das kathartische Bad im Fluss Paktolos.
Bereits König Midas entdeckte im siebten Jahrhundert vor Christus, dass sich aus einem begrenzten Vorrat an Gold und Silber, weit mehr Münzen schlagen ließen, wenn man den Edelmetallgehalt pro Münze kräftig herabsetzt und mit Kupfer und Eisen streckt. Außerdem ließ er die Münzen mit einem Wertaufdruck prägen.
Damit hatte er das Geldangebot von seiner Begrenzung durch die verfügbaren Geld-Rohstoffe befreit und zugleich den Markt von allen Finanzierungsengpässen. Midas’ Kontantenmaschine bediente die wachsende Geldnachfrage und stellte die benötigten Finanzierungsmittel zur Verfügung. Hiermit ist die Basis gelegt für die Geschichte der „Kohle“. Eine Abfolge von Katastrophen des Einzelnen und globaler Natur, von Staatsbankrotten und Wertverlust.
Frenetisch wird die „gemeinsame Bewältigung“ der miesen hausgemachten Krise proklamiert. Das chronisch kränkelnde Kapitalsystem ist erstmal der Intensivstation entkommen. Noch ein wenig durchhalten, Arsch und Zähne zusammen kneifen dann kommt alles wieder gut. JA abgemacht, wir sind dabei! Da die Gleichung ganz anders aussieht zeigen wir dann schon mal unsere Sicht der Dinge: Also BUTTER BEI DIE FISCHE!
»we do this just for the money«
According to a Greek myth, Dionysos, the God of wine, granted Midas one wish for releasing his captured teacher Silenos. Midas wished that everything he touched would turn into gold. As his food turned into gold as well he almost died from starvation. He only escaped this tragedy by taking a cathartic bath in the river of Paktolos.
As early as in the 7th century before Christ, King Midas discovered that it was possible to gain more coins from gold and silver by reducing the concentration of noble metal in a coin and likewise diluting it with copper and iron. He furthermore initialized the value print on coins.
Therewith, he liberated the money supply from its natural limitations and at the same time solved the financial shortage of the market. The money press served the increasing demand for money and provided required means of financing. Thus, the sound basis for the history of the “dough” had been established. It caused a sequence of catastrophes concerning the individual as well as the universe, national bankruptcy, and depreciation.
People frenetically proclaim the “corporate overcoming” of the mean homemade crisis. The chronically ailing system of capitalism has been escaped out of intensive care for the first time ever. Keep it up a little longer! Clench your teeth and also your buttocks and everything will be just fine. Yes, it’s a deal, we’re on it! Since the equation looks totally different we already show you our conclusion: CUT TO THE CHASE! (WRAP IT UP!)
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Lica Stein – Clothes ohne Body
Samstag, Januar 29th, 2011
Lica Stein was born in Brazil in 1968, to a family of Romanian and Polish second generation immigrants.
She was raised in the very South of this continental country, in Porto Alegre.
From 1996 to 1998 she lived in London and studied at the City and Guilds of London Art School.
On returning to Brazil, she went Southeast, to Rio de Janeiro, where she stayed for five years and co-founded the film production company Toscographics. In 2005 she moved to Sao Paulo, got her Bachelor in Fashion Design at Santa Marcelina University.
The studies came after years of experience as a costume designer for short and feature films for cinema and tv.
In Sao Paulo she has also created Universeless, her clothing label.
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Mandy Meißner – Dying With The Robots
Samstag, Dezember 4th, 2010
Dying With The Robots ist eine filmische Inszenierung einer fiktiven Trauerbeziehung zwischen einem Menschen und einem Roboter. In den beiden Filmen „Edeltrauds Spur“ und „Vadders Spur“ agieren Roboter als Schnittstelle zu den verstorbenen Personen Edeltraud und Vadders. Dying With The Robots eröffnet einen Dialog zu möglichen Beziehungen zwischen einem Menschen und einem Roboter. Vor dem Hintergrund einer Trauerbeziehung agieren Trauerobjekte als signifikante Bedeutungsträger. Dying With The Robots benutzt Design als Medium um Fragen zu generieren, dabei habe ich die Designmethode Cultural Probes verwendet. 10 Teilnehmer erhielten jeweils Pakete mit Postkarten, Kamera und Karten. Mit der Intension, einen inneren Dialog zwischen den Teilnehmern und einer verstorbenen Person zu generieren, bearbeiteten die Teilnehmer den Inhalt des Paketes selbstständig. Das bearbeitete Material wurde von mir weiterentwickelt und ins Fiktionale transferiert. Dying With The Robots offeriert zwei Varianten einer möglichen Rollenzuschreibung zwischen Mensch und Roboter vor dem Hintergrund einer Trauerbeziehung.
Dying With The Robots is a project using film as medium to direct the fictional stories “Edeltrauds Spur” and
“Vadders Spur”, in which robots seem to act as communicative objects with the ability to connect to the lost, beloved persons Edeltraud and Vadders. Dying With The Robots started out as an open question about our future relationships with robots and robot companions. Combining this question with a real scenario, the mourning process, in which objects play a significant role as substitute for the lost beloved human being. I created a dialog based on a design method called Cultural Probes in which I used design as medium to find out new and surprising insights. My aim was to engage 10 participants to think about a recently lost belove person. 10 persons received packages with postcards, camera and maps, aiming to encourage the recipients to open up a kind of inner dialog with the lost beloved person while working through the material by themselves. I used the received material for interpretation and speculation, transfering and extending the meaning of personal mourning objects that played a significant role in the mourning rituals of the participants. I came out with two proposals that address a possible role for robots in a concept where human beings engage in relationships with robots to find traces of a lost beloved person.
Camera: Nancy Brandt, Edit: Akitoshi Mizutani, Music by Taiko Saito: myspace.com/mokoton
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Jennie Suddick – Communal Tents
Donnerstag, September 30th, 2010
Berlins kulturelle Klimazone ist in Aufruhr: Diesen Herbst wird die neuartige, fiktive Spezies der »Patterned Tent Catapillar« samt ihrer Behausungen eingeschleppt. Die kanadische Künstlerin Jennie Suddick präsentiert Gesponnenes wie Verbundenes in Bezugnahme auf ikonische, kunsthistorische Darstellungen der einheimischen Wildnis in ihrer Installationsserie »Communal Tents« (Kommunenzelte). Als bevorzugter Nistplatz wurde die »okazi gallery« lokalisiert.
Die »Patterned Tent Catapillar« (Gemusterte Zeltraupen) sind fantastische Tierchen mit einer architektonischen Begabung. Aus einzigartigen, dynamischen Strukturen konstruieren sie ihre schnurartigen Behausungen. Dabei ähneln ihre gefertigten Kommunenzelte traditionellen kanadischen Textilien, die den Beginn der Erkundung der großen kanadischen Wildnis durch den „Great Lakes Fur Trade“ (Pelzhandel) im 17. und 18. Jahrhundert in Kanada markieren.
Da von einer epidemieartigen Ausbreitung der »Communal Tents« in Berlins urbanem Ökosystem auszugehen ist, wird jedem möglichen Wohnraum-Flüchtling bei Erstkontakt ein Stadtplan mit geplanten okkupierbaren Galerien und Zimmernischen ausgehändigt.
Communal Tents is an installation piece based on the fictitious species the »Patterned Tent Caterpillar« created by Canadian artist Jennie Suddick. This piece addresses iconic art historical representations of the Canadian wilderness as well as the notion of the Canadian artist as bearer of the land.
As a species piece the Patterned Tent Caterpillars are recognized by the vibrant and unique pattern of their string-like communal tents. The patterns of the tents are similar to those of historical Canadian textiles that mark the beginning of the exploration of the Canadian Great Outdoors through the Great Lakes fur trade.
This fall Suddick will introduce the »Patterned Tent Caterpillar« into Berlin’s galleries and domestic spaces where the kanadisch pattern will mutate into a trans-Atlantic subspecies. The okazi gallery will be the species’ primal nesting grounds but it is predicted that the caterpillar will thrive in Berlin’s cultural climate and will quickly invade the city. Maps will be provided marking the locations of the »Communal Tents« as they pop up around Berlin’s urban ecosystem.
installation by Jennie Suddick – curated by Molly S. Rose and the Woodn‘t Bees curatorial collective
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